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Kohlezeichnungen sind ausdrucksstark und haben Atmosphäre. Bereits wenige Striche reichen aus, um einen eindrucksvollen Effekt zu erzielen. Das Zeichnen mit Kohle eignet sich besonders gut zum Skizzieren, für Portraitmalerei, für Aktzeichnungen und landschaftliche Motive. Viele Künstler benutzen Kohle auch, um eine Vorzeichnung für die Leinwandmalerei anzufertigen. 

Wer mit Kohle zeichnen will, sollte sich möglichst sicher sein und gut frei arbeiten können, weil zu viele Korrekturen und unsicher gezeichnete Linien die Kohlezeichnung schnell dilettantisch wirken lassen. Am besten übt man den richtigen Umgang mit der Kohle und auch die Wischtechniken ausreichend, bevor man sich ans Werk macht. 

Da die Zeichenkohle nach der Anwendung nur locker auf dem Papier liegt, eignet sie sich optimal zum Verwischen. Dazu nimmt man einfach die Finger, Papierwischer, Leder, ein Wattepad oder einen Pinsel. große Flächen kann man problemlos mit der Breitseite der Kohle ausfüllen und dann erst drüber wischen. 
Es ist wichtig, dass man den weich gewischten Teilen der Zeichnung harte und klare Striche gegenüber setzt, damit die Zeichnung nicht unsicher wirkt. Für Details kann man Kohlestifte benutzen oder sich kleine Stücke abbrechen. Damit kann man gut detaillierte und entscheidende Akzente setzen. 
Darüber hinaus kann Zeichenkohle auch radiert werden. Stellen, die mit dem Radiergummi sauber freigelegt werden, ergeben einen tollen Kontrast zur klaren Linie oder verwischten Flächen. Dazu kann man sich auch Schablonen zu Hilfe nehmen. Allerdings sollte man beim Radieren darauf achten, dass das Papier keinen Schaden nimmt. 

Wenn man die Kohlezeichnung fertig gestellt hat, sollte man sie unbedingt fixieren. Dazu nimmt man ein Fixativ, das dafür sorgt, dass die Kohlepartikel mit dem Papier verkleben. Wer sich kein professionelles Fixativ kaufen will, kann dafür auch auf Haarspray zurückgreifen.

Ölmalerei © Gerhard Wanzenböck - Fotolia.com

Jetzt ist es wieder so weit. Die kalte Jahreszeit bringt es so mit sich, dass man das Haus bei Minusgraden nur ungerne verlässt. Lieber bleibt man Tee trinkend auf der Couch vor dem Fernseher und dreht die Heizung auf Volldampf. Dem Müßiggänger dem das zu langweilig ist kommt bald die Idee in Öl zu malen. Selbstverständlich braucht man dafür nicht nur Öl, sondern auch eine geeignete Unterlage, auf der man sich in schillernden Farben selbst verwirklichen kann. Jeder professionelle Maler bastelt sich seine Leinwände selbst zusammen. So bleibt er immer flexibel, wenn es um die Wahl des Formats geht und an sich ist das auch schnell gemacht.

Für einen Hobbymaler mag das aber schon ein wenig zu viel Aufwand bedeuten und er kauft sich besser eine bereits fertig zusammengebaute Leinwand. Hierbei ist jedoch auf einiges zu achten. Zunächst sollte das Holz nicht riechen. Riechendes Holz ist nicht lange genug gelagert worden, was unter Umständen heißen kann, dass es sich noch verzieht.

Die Feuchtigkeit ist noch nicht aus dem Holz oxidiert und was heute gerade ist, wird nach zwei Wochen krumm und schief und verzerrt die in Öl gemalte Landschaftspittoreske. Die Lagerung ist ohnehin wichtig. Man sollte alles krumme und schiefe gleich wieder beiseite legen. Auch muss man in der Folge darauf achten, ob der Rahmen genagelt oder gelimt ist. Der geleimte ist besser. Jetzt fehlt natürlich noch die Leinwand selbst. Wer sich teurer belgische Leinwand leisten kann, liegt hier klar im Vorteil. WIderstandsfähigkeit und die Eignung mit Öl bemalt zu werden, sprechen hier klar für den Preis. Günstigeres Leinen kann spröde sein oder mit Webfehlern nerven. Bei der Wahl der Strukturoberfläche sollte man bedenken, dass die strukturelle Beschaffenheit des Leinen mit dem Motiv harmonieren soll. 

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Das größte künstlerische Geschick führt bei Ölmalerei zu unbefriedigenden Ergebnissen, wenn die Grundierungstechnik nicht perfektioniert wird. 

Denn die Grundierung ist die Ausgangsbasis für jedes Gemälde. Ohne die Grundierung, die verhindert das das Öl aus der Farbe gezogen wird und damit garantiert, dass die Farben weder runzelig werden noch das Bild keine Risse bekommt. Somit wird die Haltbarkeit des Bilders immens verlängert. Die Alten Meister wären ohne diese Technik nicht für die Nachwelt erhalten geblieben. 

Zwei Faktoren spielen bei der Grundierung eine immens wichtige Rolle: Das verwendete Material und die angewandte Methode. Für ein optimales Ergebnis ist eine Grundierung auf Wasser-Basis, der auf Terpentin- vorzuziehen. Sie bietet eine gute Möglichkeit für die Anwendung der Faustregel “fett auf mager”, also, das Schicht um Schicht fetter gemalt wird. Nur wer freie Kapazitäten hat, sollte auf die Herstellung von Grundierung nach traditionellem Rezept zurückgreifen, denn dieser Prozess ist zeitaufwändig und umständlich. Ein Garantie für die Qualität der Grundierung gibt es hierbei nicht. 

Greift man auf spezielle Künstler-Farben für die Grundierung zurück, so muss man tief in die Taschen greifen. Diese sind im allgemeinen sehr teuer und legen nah, es einmal mit alternativen Grundierungsfarben zu versuchen. Professionelle Fassadenfarbe und Acrylbinder aus dem Baumarkt sind billig zu erstehen und liefern hervorragend Ergebnisse.

Beim ersten Anstrich muss die Grundierung in jedem Falle verdünnt aufgetragen werden. Ebenso müssen die Anstriche vollständig getrocknet sein, bevor zur nächsten Schicht übergegangen werden kann. Vom Untergrund abhängig sind mindestens 3, höchstens 5 Grundierungsschichten notwendig. 

Wer auf Leinwand malt, muss darauf achten nicht zuviel Farbe auf die Pinselspitze zu bekommen, um Durchschläge auf der Rückseite des Untergrundes zu vermeiden. 

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Ihr Name sagt schon alles, denn man nennt sie auch die direkte Malerei oder auch alla prima. Das meint, dass die Malerei eines Bildes innerhalb eines Versuchs beginnt und auch sein Ende findet. Doch so einfach wie es klingt, ist diese Art der Malerei nicht. Man muss an alles gleichzeitig denken. So malt der Maler schnell und muss gleichzeitig auf alle Bildelemente konzentrieren. Er muss das Licht und den Schatten genau so wie die Positionen und die Größe beachten. Hinzu kommt die Form und auch die Modellierung. 

Vorteil der Primamalerei ist, dass der Maler die Wirkung der Farbe sofort bestimmen kann, denn die Technik des Überdeckens bleibt weg. Er muss zudem nicht darauf achten, dass die Farbe trocknen muss, bevor er weiter macht. Für die ungeduldigen Maler ist die Primamalerei quasi prima, denn sie malen ein Bild in einem Durchgang fertig. Früher konnte so ein Maler seine Malarbeiten, die bezahlt wurden, schnell fertigstellen und das Geld dafür erhalten. 

Diese moderne Malerei wurde nicht immer geliebt, denn viele Maler übersahen in der Kürze der Zeit Fehler. Außerdem sah man die Qualitäten der Entwicklung nicht. Für die Schnellbilder gab es früher auch nicht besonders viel Geld. Es war wir bei der Kleidung heute. Das Handgemachte kostet immer mehr, als die mit Maschinen geschneiderte Kleidung. 

Heute ist es jedoch eine anerkannte moderne Art der Malerei, die jeder gern beherrschen möchte, deren Kunst jedoch nur wenige verstehen. 

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Michelangelo da Caravaggio aus Italien, Diego Velázquez in Spanien und Rembrandt aus den Niederlande, diese drei großen Maler sind auf ihre Weise Vertreter der Barockzeit. Diese folgt zeitgeschichtlich auf die Renaissance, hat ihre Anfänge also ungefähr im 16. Jahrhundert. Charakteristisch für die Zeit ist die Gründung der großen Akademien. Sie etablierten sich zur höchsten Instanz in der sich gründenden Kunstwelt im Barock. Hier wurden die Künstler nicht nur technisch ausgebildet, sondern zu gebildeten, mit Philosophie, Kunsttheorie und nicht zuletzt Umgangsformen vertrauten Intellektuellen erzogen. Merkmale der Malerei sind die breiten und runden Formen und starke Hell-Dunkel-Kontraste. Durch die Kontraste soll die dramatische Wirkung der Werke, die oft Bewegung, Spanung und Energie vermitteln wollten, verstärkt werden. Die Hauptmotive waren weiterhin die Darstellung des Profanen und die Ikonenmalerei, Historienmalerei und die Darstellung antiker Mythen. Dabei liegt der Fokus oft, auf intensiven, dramatischen Szenen, beispielsweise Ekstasen, Wunder oder Martyrien und Kämpfen. Die in der Renaissance eingeführte Fluchtperspektive und die damit ermöglichte tiefe Raumdarstellung wurde im Barock weitergeführt. Auch im Barock wollten die Künstler in ihren Werken die Szenen und Motive besonders realitsisch zeigen. Darin liegt ein weiteres Merkmal, die gemalten Figuren sind eher Individuen mit Persönlichkeit statt glatte Ikonen. Die Künstler wollten die Emotionen und Gemütszustände in dem festgehaltenen Ausdruck einfangen, so sind die Gesichter der Barockgemälde sehr viel ausdrucksstärker und detailierter ausgearbeitet, als in den vorherigen Epochen. Aber auch auf die korrekte Wiedergabe der Stoffe und anderer Texturen wurde im Sinne des Realismus geachtet. Vor allem die Maler aus den Niederlande werden als musterhafte Barockmaler angesehen, die üppigen, prunkvollen und detailreichen Figuren in den Werke von Rubens und Rembrandt prägt das Bild, das wir vom Barock haben.

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Die kalten Monate sind angebrochen und was gibt es schöneres, als gemütlich zu Hause einer Tätigkeit nachzugehen. Doch welche Art der Tätigkeit eignet sich für die Wintermonate? Die einen stricken, die anderen backen und wieder die nächsten versuchen sich an der Seidenmalerei. Die Seidenmalerei ist eine anspruchsvolle Betätigung, die man erlernen muss. Wer schon einmal Seide bemalt hat, der weiß, welch eine filigrane Arbeit das ist. 

Wer mit der Seidenmalerei anfängt, der sollte sich zuvor informieren, welche Art von Farben man benötigt und wie man an die Arbeit rangeht. Am besten, Sie machen sich erst einmel einig Gedanken darüber, was Sie bemalen möchten und welches Motiv auf das Tuch oder den Stoff soll. Das Material ist relativ teuer, deswegen ist die Überlegung das A und O zu Beginn der Seidenmalerei. 

Wenn Sie wissen, was Sie vorhaben, sollten Sie sich eine kleine Liste machen. Diese Liste sollte die Materialien beinhalten, die Sie zur Seidenmalerei benötigen. 

Zu aller erst sollte man verschiedene Farben besorgen. Für den Anfang reicht es, wenn Sie sich mit schwarz, braun, gelb, grün und blau ausstatten. Mit diesen Grundfarben lässt sich eine variable Farbpalette mischen. Zum aufhellen der Farben ist es von Vorteil, wenn Sie auch ein Mischweiß im Farbkasten haben. Außerdem sollte man immer ein Abdeckweiß haben, damit man die weißen Flächen auf dem Tuch kennzeichnen kann. Neben den Farben benötigt man außerdem mehrere Pinsel. Sie sollten verschiedene Stärken besitzen. Es lohnt sich sowohl Borsten- als auch Haarpinsel einzukaufen. Wenn Sie dies alles beisammen haben, können Sie fast schon loslegen. Jetzt brauchen Sie nur noch ein Bügeleisen, etwas Zeitungspapier, einen Rahmen zum spannen und ein paar Klemmen. Stellen Sie sich außerdem Töpfe zum Mischen der Farben bereit und ein Glas mit klarem Wasser, in dem Sie die Pinsel immer wieder aufwaschen können. Und schon kann es losgehen. 

Das Bearbeiten eines Autofotos mittels professioneller Bildbearbeitungsprogramme wie Photo Shop wird als Virtuell Cartuning oder virtuelles Auto-Tuning bezeichnet. Ursprünglich hat man dabei die abgebildeten Autos mit Tuninganbauteilen ausgestattet, welche von anderen Bildern übernommen wurden. Die auf diese Weise entstandenen Bilder werden Fake, Fakecar oder Chop (engl. to chop – zerhacken) genannt. Aus diesen Begriffen leiten sich wiederum weitere gängige Bezeichnungen für Virtual Cartuning ab wie Choppen oder Faken. 

Beim virtuellen Auto-Tuning kommen hauptsächlich professionelle Bildbearbeitungsprogramme zum Einsatz. Da wir hier von einer reinen Bildbearbeitung sprechen, werden keine 3D-Programme benutzt. Die meisten Mitglieder der Szene der virtuellen Autotuner verwenden das Bildbearbeitungsprogramm Adobe Photoshop. Dieses professionelle Programm bietet alle nur vorstellbaren Möglichkeiten – der Phantasie eines jeden Autotuners sind also keine Grenzen gesetzt. Man muss sich lediglich das Programm kaufen und sich bestimmte Fertigkeiten aneignen. Der Einstieg ist aber nicht allzu schwer. Denn es gibt viele Anleitungen, die zum Thema Virtuelles Auto-Tuning mit Photoshop bereits geschrieben wurden. Teilweise kommen aber auch andere Programme wie Corel Paint Shop Pro und das Freewareprogramm Gimp verwendet. 

Wie in allen Bereichen der Bildbearbeitung kommen hier zwei Techniken zum Einsatz: Einerseits kann man auf das allgemein bekannte Copy&Paste zugreifen. Außerdem gibt es da auch noch das so genannte Brushing. 

Beim Copy&Paste kann man die gewünschten Teile von Fotos bereits getunter realer Autos kopieren und einsetzten. Auf diese Weise entsteht aus mehreren realen Autos ein neues virtuelles Auto. Diese Technik erfordert relativ wenig Erfahrung und wird daher meist für den Einstieg empfohlen.

Mit Brushing ist das Erstellen völlig neuer Teile mittels der verwendeten Software gemeint. Diese Technik gilt auch als die Königsdisziplin des Auto-Tunings, da man dazu eine besonders hohe Vorstellungskraft und räumliches Denken braucht. Ganz wichtig ist aber auch, dass eine gewisse Erfahrung in der Bildbearbeitung und ein fundiertes Wissen über Lichtreflexe und Schattenwürfe erforderlich sind.

Wer diese Erfahrung noch nicht hat, braucht nicht zu verzweifeln. Denn es gibt – wie oben erwähnt eine Menge Ratgeber in Sachen virtuelles Auto-Tuning. Will man beispielsweise einen Audi-Kombi tunen, so sollte man zuvor einen Ratgeber Kombi hinzuziehen. 

Gastautorin Mathilde Zornmann

Die Abstrakte Maler vermeidet jegliche Tendenzen, die auf eine Gegenständlichkeit abzielen und beschränkt das Gemalte Farb- und Formklänge, sowie innerbildliche Bezuge und Gegensätze. Der Begriff der Abstraktion ist in der Bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts auf jegliche Reduktion von natürlichen Eindrücken anwendbar.

im 19. Jahrhundert hatten Künstler, wie William Turner oder Victor Hugo (Literat und Zeichner) begonnen von klaren Strukturen und Linien abzuweichen um sich  abstrakteren Darstellungsprinzipien in ihren Ateliers zu widmen.Die Stilrichtung kann als logische Fortführung des Neoimpressionismus, des Kubismus und des Fauvismus gesehen werden. Als Begründer dieser Strömung gelten Wassily Kandinsky und Robert Delaunay. Immer mehr Maler begannen nach 1910 mit der nicht gegenstandsbezogenen Methode zu Arbeiten und es bildeten sich lose, mehr oder weniger unabhängige Schulen der Malerei.

Von der breiten Masse bekam die Abstrakte Malerei eher negative Kritiken. Auch Kunstkritiker zeigten sich zunächst skeptisch. Denn die Abweichung vom Gegenständlichen bedeutete auch eine Abweichung vom etablierten Kunstbegriff. In polemischer Weise wurde die Schlichtheit der Werke, die weder künstlerische Begabung noch handwerkliches Können voraussetzen würden, diffamiert. Kontroversen rief beispielsweise das Schwarze Quadrat von Kasimir Malewitsch hervor. Es handelt sich bei diesem Werk um ein einzige schwarze Fläche auf weissem Grund.

Malewitsch Gedanken zu diesem Werk verdeutlichen eindeutig den Geist des Abstrakten, der ihn dazu bewog in seiner Reduktion bis zum Äußeren zu gehen:

„Als ich 1913 den verzweifelten Versuch unternahm, die Kunst vom Gewicht der Dinge zu befreien, stellte ich ein Gemälde aus, das nicht mehr war als ein schwarzes Quadrat auf einem weißen Grundfeld. Es war kein leeres Quadrat, das ich ausstellte, sondern vielmehr die Empfindung der Gegenstandslosigkeit.“

Die Geschichte der Vedute reicht bis zum Anfang des 16. Jahrhunderts zurück. Die venezianische Malerei beschäftigte sich zur damaligen Zeit mit der Darstellung von Stadtarchitektur. Die Entstehungszeit der Vedute wird aber von der Forschung allgemein auf das 17. Jahrhundert datiert. 

Auf einer Vedute wird ein Stadtpanorama abgebildet. Dabei wird dem Betrachter meist ein Blick auf einen Fluss, einen Platz, einen Kanal, oder eine Straße geboten, welcher sich linearperspektivisch in die Tiefe zieht. Beim betrachten dieser Bilder entsteht ein Gefühl von der kulissenhaftigkeit des Gezeichneten. Sie sollen zunächst die rein ästhetisch reizenden Seiten einer Landschaft oder einer Stadt darstellen. Man kann sagen, dass Veduten ein Vorläufer heutiger Fotografie insbesondere der Ansichtskarten sind. 

Das Genre erlebte einen Boom zur Zeit des Italien-Tourismus, der im 18. Jahrhundert hauptsächlich englische Aristokraten in die Städte Italiens einziehen ließ.  Die damalige englische Elite sehnte sich nach der nostalgisch anmutenden Architekur der Überbleibsel römisch antiker Stätten. Die Verduten wurden dann als “Souvenir” von den Reisen zurück gebracht.

Als wichtigster Künstler dieser Stilrichtung wird wohl zuerst Gaspar van Wittel genannt werden müssen. Der italienisch-niederländische Maler führte als erster die camera obscura als Arbeitsmittel für die Verdutenmalerei ein. Mit dieser wurde es möglich ein Abbild der Panoramen zu schaffen, welches dann abgezeichnet werden konnte. Hier sieht man wieder den engen Zusammenhang zwischen Vedute und der später enstandenen Fotografie. 

Diesem Mittel bedienten sich weiter Größen der Vedutenmalerei, wie Giovanni Antonio Canaletto, oder Francesco Guardi. 

Genremalerei, Foto: MilchAuge_Flickr

Vorläufer dieser Malerei waren die genrehaften Monatsbilder, welche vor allem in den flämischen Stundenbüchern des 15. Jahrhunderts zu finden sind. Aber auch berühmte Künstler wie zum Beispiel Pieter und Jan Bruegel der Ältere sowie Lucas von Leyden malten schon im 16. Jahrhundert solch typische Familien- und Bauernszenen.

Dabei wurden meistens die negativen Verhaltensweisen wie Streit,Trunksucht oder Kuppelei gemalt, um den Menschen ihre Fehler aufzuzeigen zu machen und abzuschrecken.

Den Höhepunkt erlebte die Genremalerei im 17.Jahrhundert nach dem Wandel hin zur Reflexion der Wertvorstellungen gehobener Bevölkerungsschichten. Seither sind die moralischen Appelle eher versteckt in den Genrebildern zu finden.  Ein Künstler dieser Zeit war z.B. Jan Vermeer.

Nach heutiger kunsthistorischer Auffassung ist es klar, dass Genrebilder immer eine Alltagsszene darstellen, die jedoch in den meisten Fällen immer einen tieferen Sinn verbirgt.

Somit kann sie als populäre Bildsprache des Barocks gesehen werden, die mit Hilfe von Allegorien komplexe Aussagen darstellt, welche auf unterschiedlichste Weise gedeutet werden können.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, lebte das Genrebild wieder auf, spiegelte aber im Zusammenhang zum Realismus eher ein soziales Tendenzbild wider. Daher kann die Genremalerei auch als Wegbereiter des Impressionismus anzusehen.